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臺灣藝術家楊識宏:我先是藝術家,然后才談得上其他

2019-04-08 09:32 來源:中國南方藝術 閱讀

藝術家楊識宏

藝術家楊識宏

  導言:2019年4月3日,生活、工作于美國紐約的臺灣藝術家楊識宏在廣東美術館首次集中展示了其近作,這是其繼2015年東京上野之森美術館個展之后的又一次創作梳理與深度呈現。展出二十余件巨幅畫作,涵蓋藝術家近年來的繪畫創作和文獻史料,包括有關創作的珍貴信札、手稿、照片以及七八十年代報刊雜志,立體地呈現了楊識宏的繪畫發展軌跡及抽象創作歷程。

  在紐約藝壇,楊識宏是第一位獲得紐約現代藝術博物館(MoMA)P.S.1當代藝術中心“國家工作室”計劃獎助的華人藝術家。他1947年生于臺灣,1968年畢業于臺灣藝專美術科(現臺灣藝術大學),1979年移居美國,1989年獲得“杰出亞裔藝術家獎”。在其逾半個世紀的創作生涯中,對“生命意義的探討”是創作思考的主軸。他的藝術經歷了一個從具象到抽象的發展歷程:從最初對自我“存在”的反思;到“都市文化”的批判;及80年代旅美后涉及“后現代的浪漫與象征主義”;至90年代開啟以“植物美學”為抽象繪畫創作風格;2000年以后則開始于內在世界的精神性探討。

  此次展出的巨幅畫作,展現了東方繪畫的含蓄與詩意,幾十年來,他的繪畫創作對抽象與具象、東方與西方、傳統及當下的辯證與思索,不僅在其創作生涯留下深刻軌跡,同時也成就了他極富個人特色的繪畫美學。

生之欲 Lust for Life 203x274.5cm 布面丙烯 Acrylic on Canvas 2017-2018

  生之欲 Lust for Life 203x274.5cm 布面丙烯 Acrylic on Canvas 2017-2018

  雅昌藝術網對話楊識宏

  雅昌藝術網:您個人經歷是怎樣的,從什么時候開始接觸藝術?

  楊識宏:我開始接觸藝術大概是在13、14歲,記得當時我看到了《梵高傳》,這對我人生產生了很大的影響,一直至今。后來我進入臺灣藝專美術科學習藝術,畢業之后開始做藝術創作,參展展覽活動,可是一直沒辦法被接受。

  1979年去美國之前,我在臺灣舉辦了6次個展,一張畫都沒有賣,但我仍然堅持了下來。其實當時我是想去巴黎,那是我喜歡的“藝術之都”,但因為語言的關系,我只能選擇美國。巧合的是50年代末開始,世界藝術中心從巴黎轉移到了美國,這讓我下定了決心。出國前的最后一次展覽,我的作品開始賣出去了,這也給了我一些信心和勇氣。

  雅昌藝術網:到了美國之后,生活有什么改變嗎?

  楊識宏:在我出國之前,因為沒辦法靠賣畫為生,我不得不做一些設計的工作。那時有人給我很好的機會:在一個大飯店里做藝術總監。但是我知道那不是我想要的。

  到紐約之后,一切都是從頭開始。而且是更大的舞臺,全世界各地優秀的藝術創作者幾乎都集中在那兒。當時我想,給自己五年的時間吧,如果混不出來,我就再回去做設計,能有飯吃就行,我想美國一定更需要設計人才。

  到第三年的時候,就開始有畫廊要展出我的作品了。大約第四、第五年,我得到了一個很高的榮譽:紐約現代藝術博物館(MoMA)P.S.1當代藝術中心“國家工作室”計劃獎,那個很不容易,我是第一個獲得的華人藝術家,因此我得到了一個免費的工作室資助。對我的藝術生涯來說,那是一個轉折,之后,我開始真正登上紐約藝術界的擂臺。

  雅昌藝術網:當時您創作面貌是怎樣的,和之前在臺灣的創作有什么不同嗎?

  楊識宏:去美國之前,因為工作會做設計,對波普藝術不免有一些了解,也影響到了我的創作。

  在臺灣時,我畫了一些日常中看得見的形象,我稱它為“復制時代的美學”。20世紀以后,“全球化”開始變得流行,大家的生活方式變得很接近,都是住公寓,年輕人穿的一樣的衣服,牛仔褲,T恤、襯衫······,一個馬來西亞青年、一個新加坡青年跟一個韓國青年,看起來都一樣,所以我畫了很多這些具有“復制美學”特點的形象,畫面也是很具象的。

  去到紐約之后,藝術思想潮流剛好又回到繪畫。之前是現代藝術各種流派的嘗試,藝術界漸漸宣布繪畫已死。但抽象到極致,最后什么都抽掉了,沒有東西,一張畫布白白的,要么就是黑黑的,或是紅紅的,什么也沒有,變成了純粹的“形式主義”,走不下去了。就有一些藝術家開始把形象的東西,甚至有內容的東西搬回來再用。當時被稱之為繪畫的“再復興”,那個思潮稱之為“后現代主義”,把古代的東西又搬回來用,可能在畫面某一個地方加入希臘的柱子,或者加羅馬的天頂等等。

  繪畫突然變得很火,很多搞裝置藝術、行為藝術開始回來畫畫,那時候法國有“新形象畫”、德國有“新表現主義”、意大利有“超前衛”、美國有“新意象”等等,80年代是所有西方美術史里繪畫最火的十年。

  我受那個氛圍的影響,嘗試把東方文化里很多元素都融合在畫面里。比如兵馬俑、敦煌壁畫,臺灣原住民的雕刻等,當時大家看到的都是歐美的東西,忽然看到東方味道的反而很喜歡。也是靠這批作品,我獲得了PS1的獎項。

  雅昌藝術網:獲得認可之后,您的創作和生活經歷了怎樣的變化?

  楊識宏:這些作品畫久了之后,我覺得很做作,跟我實際的思想、生活沒有關系,感覺自己是為了畫畫而畫畫,而不是為我自己或者為人生而畫畫。于是我開始轉變,這也與我的生活本身有關。

  獲得工作室之后,搬家收拾東西時,忽然發現行李里面有幾包東西沒有拆開,一打看原來是種子。那是出國時,母親交給我的,她聽說美國地很大,可以自己可以種花、種菜。看到那些種子,不知道它們是死了還是活著的?于是我就隨便種在前面的院子,地上挖個洞,放進去,澆一點水。沒想到兩個多禮拜全部發芽長出來了,而且越長越好。

  這對我的藝術創作是很大的啟發,我發現原來生命的力量這么強大,只要給它陽光、空氣、水就可以新生。記得有一位法國得諾貝爾獎的作家,他說如果你是一顆種子一定可以新生,這使我思考到很多問題,我開始關注植物,也開始在院子里種,我的畫室有天窗、光線很好,最多的時候我種了四、五十種,像一個植物園。我發現植物很美,而且很多人都忽略了它的美,它有生有死,又象征人生命的循環。這個大的轉折,不僅是藝術創作上的,也改變了我對于生活和藝術的認知。從這個時期開始,我的畫面開始逐漸從原來具象的形象,慢慢走入抽象。

  雅昌藝術網:在此之后,對“生命意義的探討”成為您創作思考的主軸嗎?

  楊識宏:“植物”系列之后還有一個大的轉折。在美國時,過幾年我會去做一次健康檢查。2004年左右,做完檢查回來,有一天醫生打電話來,他說:“你得了癌癥。”當時感覺是晴天霹靂,怎么會是我呢?從那一刻開始,我對死亡又有另外的看法:當我走大街上,大家還是嘻嘻哈哈,都活的很好,可是我覺得我跟他們是有一堵墻相隔,可能再過三個月、三年我就沒了。開始對生命的感受,時間的感覺越來越強烈,記得當時畫了一幅作品,題目就叫《日子》,畫面已經是抽象的,很多人不理解那些畫面中的符號、形象,但其實是我已經在算日子了。在此之后,創作也進入到更深的對于“生命”本身的探討。

  雅昌藝術網:不太了解您創作經歷的人,會經常通過畫面本身,將您與藝術史上的大師:趙無極、朱德群做比較,您對自己的定位是怎樣的?

  楊識宏:創作的時候,不會想這些,如果一直想這個問題,肯定是畫不好的。畫之前會想好怎么畫,或者追求什么樣的氣氛?畫的時候是不思考的。一個人在速度中沒有辦法思考,就像一個開跑車的賽車手,在開車進行中時,不可能想著昨天講錯了什么話,這樣一定會發生人命的,我是以這樣的心態來看待創作的。

  對我而言,創作是一件自然而然的事情,像呼吸一樣簡單。如果是在那個狀態,畫畫時真的如若無人之境,不可能去想,我這張一定要超過趙無極、朱德群。

  雅昌藝術網:已經到了70多歲的年紀,創作這么多年,您會給自己歸類嗎?

  楊識宏:我將自己歸類為藝術家。要先是藝術家才談得上其他。

  曾經有次我在芝加哥的展覽,一位收藏家買了我的畫,我請他去家里聊天,談到了這個問題。記得當時我們談到了藝術家和畫家的區別。他問我德加是畫家還是藝術家?我說他是畫家;他接著問,那梵高呢?我說梵高不是很好的畫家,但他是藝術家。梵高有一句話,幾乎是影響現代藝術的一個核心思想:他說:“我把我的眼睛閉起來,是為了要看見。”眼睛閉起來就看不見了,但他看的是內心世界,現代藝術表達的就是內心的真實。

  很多人認為藝術家、畫家都差不多,我覺得他們是不一樣的,畫家很會畫畫,可能技法很好,幾百年才出一個手巧的人,可是他只是會畫畫;在我的認知里,藝術家除了有“術”的方面,還要有“意”,“意”就是思想,或者他對外界,對自己的看法,表現在作品上,能讓觀眾打開另外一個世界,看到他的畫,會想到怎么我以前沒有覺得一面墻壁,經過時間的日曬雨淋,會這么美。

  藝術家厲害的就是他能見人所未見,發人所未發,他表達的東西是別人沒有想過的,他看到的東西是沒有人看到的。

  雅昌藝術網:您日常創作過程是怎樣的狀態?如何獲取創作的靈感?

  楊識宏:有人問我你畫畫最好的狀態是什么時候?我發現自己創作狀態最好的時候是黃昏,因為白天將盡,黑夜將來,這是一個曖昧的地方。

  那個“狀態”很重要,到了黃昏的時候,黑夜快來了,有一種急迫感,想把時間抓住,想理清自己心里的感受,因為天黑的很快,差不多二三十分鐘從白天一下變成黑夜,那個很曖昧的地方就是“潛意識”,會產生一種能量。

  有時候早上、中午我都在畫布前,坐兩個鐘頭,卻一筆也畫不出來,到了黃昏我的感覺就會很不一樣,很多自己比較滿意的作品,都是那個時間畫出來的。我沒辦法像弗朗西斯·培根那樣,早上5點多就起床,6點開始刻苦畫畫,對我而言,靈感來臨的那一刻很重要。

  來源:雅昌藝術網企鵝號

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|  2019-04-08發布  |   次關注    收藏

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